Als animator zijn de 12 principes van animatie de belangrijkste vaardigheden die je kunt verwerven. Frank Thomas en Ollie Johnston, twee van de eersten die met animatie werkten, maakten ze in de jaren dertig. Ook al is het gemaakt voor potloodtekeningen, je kunt dezelfde ideeën gebruiken voor digitale animatie. Door ze als blauwdruk te gebruiken, kunt u menselijke animaties maken die authentiek en boeiend aanvoelen. Nou, dit is nog maar het topje van de ijsberg! Lees verder om meer te weten te komen over de 1930 principes van animatieposters en -boeken, samen met Disney's 12 principes van animatievoorbeelden.
Wat zijn de principes van animatie?
De principes van animatie wekken de indruk dat uw geanimeerde personages en objecten dichtheid, massa, volume en flexibiliteit hebben.
Disney's 12 principes van animatievoorbeelden
Hieronder staan de voorbeelden van de 12 principes van animatie:
#1. Anticipatie
Dit is een van de voorbeelden van de 12 animatieprincipes van Disney. Het publiek is beter voorbereid op een vertoning als ze de tijd krijgen om te anticiperen op wat er gaat gebeuren. Gezien het gegeven scenario zijn er enkele belangrijke aanwijzingen die wijzen op de volgende stap in de keten van gebeurtenissen. Om specifieker te zijn, de ogen van de baby zijn slechts half gesloten, het knikken van het hoofd heeft een licht zwaaiende beweging en als de baby in de val duikt, is er een lichte stijging van het hoofd en een inzinking in de wenkbrauwen.
#2. Enscenering
De term 'enscenering' verwijst naar de opstelling van beelden binnen de frames op een zodanige manier dat de aandacht van de kijker wordt gevestigd op de aspecten van de scène die het belangrijkst zijn. Ondertussen wordt dit gedaan terwijl details worden weggelaten die niet belangrijk zijn of een afleiding vormen.
Ondanks het schaarse frame en de afwezigheid van geluid in dit voorbeeld, is het heel duidelijk dat de vader en het kind zich in een ruimte bevinden met luide muziek.
#3. Squash & Stretch
Dit zijn ook voorbeelden van de 12 animatieprincipes van Disney. Dit zijn methoden die kunnen worden gebruikt om de indruk te wekken dat een persoon of ding zowel zwaar als flexibel is. De "stuiterende bal" -oefening is een van de eerste dingen die een animator in coaching zal doen.
In dit voorbeeld zijn zorgvuldige squash- en stretch-effecten toegevoegd aan het midden van het personage. Dit wordt gedaan om mensen te laten geloven dat hij echt zwaar is. Het lichaam zet uit terwijl zijn benen zich uitstrekken, waardoor de zijkanten van het lichaam naar binnen worden getrokken. Dit trekt dan samen wanneer ze buigen, wat hem "rotatietraagheid" en een gevoel van traagheid geeft.
#4. Gemak in gemak uit
Als je voor het eerst gaat rijden, ga je niet meteen honderd kilometer per uur. Het duurt een tijdje om op snelheid te komen en die snelheid vast te houden als je er eenmaal bent. Als we het over animatie hadden, zouden we dit een gemak noemen.
Bovendien kunt u, zelfs als u remt, niet volledig stoppen. (Tenzij je in het onwaarschijnlijke geval tegen een boom of iets anders botst.) Als je je voet op het rempedaal zet, verminder je geleidelijk tot je volledig tot stilstand komt. Animators noemen dit een 'gemak in'. Een animatie die levensechter lijkt en meer persoonlijkheid heeft, kan ook worden gemaakt door de variërende snelheden van de items in de animatie zorgvuldig te reguleren.
#5. Secundaire actie
Dit zijn bewegingen die de daadwerkelijke actie ondersteunen en een extra element bieden aan karakteranimaties. Dit wordt gedaan door de prestaties van het personage te verbeteren. Ze kunnen de persoon ook extra persoonlijkheid geven en inzicht geven in wat het onderwerp van plan is of denkt.
#6. Boog
Cirkelvormige beweging, in plaats van lineaire beweging, is kenmerkend voor levende wezens. Zelfs als je een pijl in de echte wereld afvuurt, is het onwaarschijnlijk dat de pijl in een horizontale lijn zal gaan. In de meeste gevallen zal het pad gebogen zijn. Hetzelfde geldt voor animatie; personages hoeven niet lineair te bewegen, omdat dit de indruk zou wekken dat hun bewegingen geforceerd en onnatuurlijk zijn.
Bovendien is Arc ontworpen met een gebogen pad dat de manier imiteert waarop het menselijk lichaam van nature beweegt. Dus als u wilt dat uw illustraties er realistisch uitzien, is beweging in bogen een animatiemethode die u moet gebruiken. Dit omvat de onderarmen, benen, handen en vingers.
#7. Rechtuit actie en pose om te poseren
Er zijn twee manieren om het tekenen van een animatiereeks te benaderen: de methode "straight ahead" en de methode "position to pose".
Doorgaans is de straight-ahead-techniek de meest effectieve voor animators om te gebruiken als het hun doel is om vloeiende en realistische bewegingen in hun werk te creëren. Om dit te doen, moet elk frame van het begin tot het einde worden geschetst, wat resulteert in het creëren van actie die in een consistent tempo plaatsvindt.
Wanneer de animator een duidelijk mentaal beeld heeft van hoe het verhaal zal eindigen en vanaf dat punt achteruit kan werken. De rechttoe rechtaan tekenstijl voor animaties is dus een uitstekende keuze om te gebruiken. Het is ook een fantastische benadering voor het simuleren van organische activiteiten zoals een bloemenbloei, wolkenbeweging, vuur of een explosie.
#8. Follow Through en overlappende actie
Het doel van deze animatietechnieken is om de indruk te wekken dat de figuren handelen volgens de regels van de natuurkunde. Vanwege de kracht van de voorwaartse beweging blijven sommige karakterkenmerken, zoals haar, vleesplooien, kleding of een wiebelige buik, bewegen wanneer een personage plotseling stopt met bewegen. Deze karakteraspecten omvatten het haar, de vleesplooien, de kleding en de wiebelige buik.
De beweging die na het evenement zelf plaatsvindt om meer gewicht en een gevoel van realisme over te brengen, wordt 'follow through' genoemd. Hoewel bewegende lichamen niet met verschillende snelheden zullen bewegen, kunnen specifieke karaktereigenschappen ook de hoofdactie volgen of elkaar overlappen om geleidelijk tot stilstand te komen.
#9. Langzaam Komend en Langzaam Uit
Dit is ook een van de voorbeelden van de 12 animatieprincipes van Disney. Stel je voor dat iemand rent en dan midden op de weg stopt. Ze zouden eerst langzamer bewegen, dan de snelheid verhogen naarmate ze vorderden en uiteindelijk volledig tot stilstand komen. De meeste objecten veranderen door wrijving, zwaartekracht en andere redenen. Begin dus langzaam en verhoog het tempo om een zet er sierlijk en natuurlijk uit te laten zien.
Bovendien kunnen dit soort natuurlijke bewegingen in animatie worden bereikt door meer frames te schetsen aan het begin en einde van een actiescène. De snelheid en soepelheid van de actie hangt af van het aantal frames dat u toevoegt aan het begin en het einde van de actiereeks en hoeveel ruimte er is tussen elke tekening.
#10. Stevige tekening
Bij het maken van een animatie kan het tekenproces een zeer arbeidsintensief en tijdrovend onderdeel van het proces zijn. Dit mag echter niet betekenen dat de kwaliteit van elk frame op enigerlei wijze wordt aangetast. Een getalenteerde artiest zijn is ook vereist als je een succesvolle carrière in de animatie wilt hebben.
Volgens Disney's "solide tekening"-filosofie wordt van animators verwacht dat ze een fundamenteel begrip hebben van het schetsen van driedimensionale vormen. Dit wordt gedaan zodat ze het gewicht, de balans, het licht en de schaduw van de objecten die ze afbeelden effectief kunnen communiceren.
Het gebruik van perspectief is een ander essentieel onderdeel van tekenen. In dat geval kunnen de personages tweedimensionaal en saai overkomen. Traditionele animators bestudeerden de anatomie van echte objecten en mensen voordat ze hun tekenfilmversies tekenden. Het is bekend dat Walt Disney zijn personages ontwierp op basis van echte mensen en dat Disney-animators life-tekenen bestudeerden om geloofwaardige en boeiende personages te creëren. Tekenen naar het leven is slechts een deel van de solide tekening, maar het is cruciaal. Om solide karakters en objecten te creëren, moet je driedimensionaliteit begrijpen. Dit maakt het veel eenvoudiger om deze dingen vanuit elk gezichtspunt te tekenen.
Ook voor personen die zich klaarmaken om te solliciteren naar hogescholen of banen, zal het hebben van uitzonderlijke handtekenvaardigheden een opvallend aspect zijn dat in hun portfolio kan worden opgenomen. Door Lyndsey Vincent, een interieurontwerper die ooit bij Disney Imagineering werkte.
#11. Hoger beroep
Het creëren van karakters met aantrekkingskracht vereist niet noodzakelijkerwijs dat ze er prettig uitzien. Zelfs de hoofdpersonages in het verhaal moeten intrigerende en charismatische eigenschappen hebben om het vertellen van verhalen boeiender te maken. Door de eigenschappen, vormen en verhoudingen van een personage te veranderen, kunnen ze intrigerender worden. Om het verhaal te verbeteren, benadruk je de meest bepalende eigenschap van een personage. Het vergroten van de ogen of kaaklijn om een personage een jeugdige of sterke uitstraling te geven is populair. Fascinerende typografie, naast elkaar geplaatste foto's of visuele vertaling zijn nog drie geweldige manieren om het scenario interessant te maken.
Het creëren van een empathische hoofdrolspeler helpt de plot te verbeteren. Een verwarrend karakterontwerp kan kijkers afschrikken, waardoor ze het verhaal niet kunnen afmaken. Zorg daarom, om je publiek erbij te betrekken, voor een balans tussen eenvoud en onoplettendheid bij het creëren van een personage.
#12. Overdrijving
Het creëren van meer realistische bewegingen is mogelijk door gebruik te maken van een groot aantal animatie-ideeën die tot nu toe zijn besproken. Aan de andere kant kan de aantrekkingskracht van animatie worden verminderd door een te grote hoeveelheid realistische details. Het is om deze reden dat het gunstig is om enkele dramatische bewegingen en karakteruitdrukkingen te overdrijven die doorgaans niet haalbaar zijn.
Het toevoegen van een gevoel van drama en energie aan een situatie kan worden vergemakkelijkt door de beweging in de scène te spelen. Disney staat bekend om de overdreven sequenties die het gebruikt om emotioneel geladen situaties in zijn films te genereren.
12 principes van animatieboek
In 1981 publiceerden Disney-animators Ollie Johnston en Frank Thomas "The Illusion of Life: Disney Animation." De 12 principes van het animatieboek zijn gebaseerd op de inspanningen van Disney-animators om vanaf de jaren dertig levensechtere animaties te ontwikkelen. Sommige mensen hebben de 1930 principes van het animatieboek de 'Bijbel van animatie' genoemd, en veel animatiebedrijven die al heel lang bestaan, volgen zijn advies op.
Waarom zijn de 12 principes van een animatieboek nuttig?
De belangrijkste reden dat deze regels werden gemaakt, was om de indruk te wekken dat stripfiguren de wetten van de natuurkunde volgden. Ze pakten echter ook meer etherische problemen aan, zoals emotionele resonantie en karakterallure.
Wat is het organiseren van 12 principes van animatie?
De term 'enscenering' verwijst naar het proces waarbij alle componenten van een scène worden gerangschikt, van de posities van de acteurs tot de items op de voor- en achtergrond, de belichting, de camerabeelden en de emotionele toestand van de personages. Door het gebruik van enscenering wordt de bedoeling van de animatie glashelder.
Welke van de 12 principes van animatie is de voorbereiding op de hoofdactie?
Anticipatie is de aanloop naar opwinding. De primaire beweging zou zijn dat het been van de speler de voetbal raakt, en de daaropvolgende beenbeweging zou het resultaat zijn van de eerste actie.
Wat zijn de 8 fasen van animatie?
- Onderzoeken.
- Definieer de reikwijdte van het project.
- Het toneelstuk scripten.
- Spraakopname-apparaat.
- Storyboard-artiesten.
- Schematische weergave.
- Animation.
- Geluidsproductie.
Terug naar jou
Het is ongelooflijk hoe het wonder van animatie kan worden vastgelegd door zich aan slechts een paar basisregels te houden. Animatie is meer dan alleen de illusie van beweging geven aan statische tekeningen. Het is een kunstvorm die verbeeldingskracht, originaliteit, vaardigheid, hard werken en geduld vereist om succesvol te zijn.
Daarom zou je, met je hernieuwde begrip van de 12 principes van animatie, in de verleiding kunnen komen om je hand te proberen bij het maken van je stop-motionfilmpjes. Heb je een verhaal dat je wilt maken of een cast van personages die je graag in druk wilt zien? Blijf tekenen wat je ziet en overweeg hoe dingen worden gedaan en hoe individuen bewegen. Samenwerking met andere animators en ontwerpers is ook cruciaal om te leren hoe je je vak kunt verfijnen. Zo kunt u uw ideeën tot leven brengen door middel van animatie als u elke dag oefent.
Referenties
- pluralsight. com
- vectornator.io
- academyofanimatedart.com
Gerelateerde artikelen
- ANIMATIESOFTWARE: beste gratis software voor 2023
- Vijf manieren om 2D-animatie te gebruiken voor bedrijfsgroei
- HOUSE STAGING: hoe u uw huis voorbereidt op snelle verkoop
- TOP 17+ VIDEOMARKETINGSOFTWARE: 2023 beoordelingen
- 2023 BESTE 15+ DRAADLOZE BEVEILIGINGSCAMERASYSTEMEN VOOR BEDRIJVEN (Update)
- SNELLE FINANCIERING: oplossingen, leningbeoordelingen en vereisten
