アニメーターとして、アニメーションの 12 の原則は、習得できる最も重要なスキルです。 アニメーションで最初に仕事をした 1930 人であるフランク トーマスとオリー ジョンストンは、12 年代にそれらを作りました。 これは鉛筆画用に作成されたものですが、同じアイデアをデジタル アニメーションに使用できます。 それらを青写真として使用すると、本物で魅力的な人間のアニメーションを作成できます。 まあ、これは氷山の一角に過ぎません！ アニメーションのポスターと本の 12 の原則と、ディズニーのアニメーションの例の XNUMX の原則について学びましょう。
アニメーションの原則とは?
アニメーションの原則は、アニメーション化されたキャラクターやオブジェクトに密度、質量、体積、および柔軟性があるという印象を与えます。
ディズニーのアニメーションの 12 の原則の例
以下は、アニメーションの 12 の原則の例です。
＃1。 期待
これは、ディズニーのアニメーションの 12 原則の例の XNUMX つです。 次に何が起こるかを予測する時間が与えられれば、観客は上映イベントへの準備が整います。 与えられたシナリオを考えると、一連の出来事の次のステップを示す重要な手がかりがいくつかあります。 具体的には、赤ちゃんの目は半分だけ閉じており、頭のうなずきはわずかに揺れ動きがあり、赤ちゃんが秋に沈むにつれて、頭がわずかに上がり、眉がくぼんでいます。
＃2。 演出
「ステージング」という用語は、最も重要なシーンの側面に視聴者の注意を向けさせるような方法で、フレーム内のビジュアルを配置することを指します。 その間、これは重要ではない、または気を散らす詳細を除外しながら行われます.
この例ではまばらなフレームと音の欠如にもかかわらず、父と子が大音量の音楽のある空間にいることは非常に明白です。
＃3。 スカッシュ＆ストレッチ
これらは、ディズニーのアニメーションの 12 の原則の例でもあります。 これらは、人や物が重くて柔軟であるという印象を与えるために使用できる方法です. 「弾むボール」の練習は、アニメーターのコーチングで最初に行うことの XNUMX つです。
この例では、注意深いスカッシュとストレッチのエフェクトがキャラクターの中央に追加されています。 これは、彼が本当に重いと人々に信じ込ませるために行われます. 足を伸ばすと体が伸び、体の側面が引き込まれます。 そして、これが曲がると縮むことで「回転慣性」と慣性感が生まれる。
＃4。 イーズイン イーズアウト
運転を始めたばかりのとき、すぐに時速 XNUMX マイルで走ることはできません。 そこに着いたら、速度を上げてその速度を維持するには少し時間がかかります。 アニメーションについて話している場合、これをイーズアウトと呼びます。
さらに、ブレーキを踏んでも完全に止まることはありません。 （万一、木などにぶつからない限り） ブレーキペダルを踏むと徐々に減速し、完全に停止します。 アニメーターはこれを「イーズイン」と呼んでいます。 アニメーション内のアイテムのさまざまな速度を注意深く調整することで、よりリアルで個性的なアニメーションを作成することもできます。
＃5。 二次アクション
これらは、実際のアクションを補助し、キャラクター アニメーションに追加要素を提供するモーションです。 これは、キャラクターのパフォーマンスを強化することによって行われます。 彼らはまた、その人に追加の個性を与え、主題が何をしているのか、何を考えているのかについての洞察を提供することができます.
＃6。 アーク
直線運動ではなく、円運動が生物の特徴です。 現実世界で矢を放ったとしても、矢が横一直線になることはまずありません。 ほとんどの場合、パスは曲がります。 まったく同じことがアニメーションにも当てはまります。 キャラクターが直線的に動く必要はありません。そうすると、その動きが強制的で不自然であるという印象を与えるからです。
さらに、Arc は、人体が自然に動く方法を模倣した曲線パスで設計されています。 したがって、イラストをリアルに見せたい場合は、使用する必要があるアニメーション方法の XNUMX つとして、弧を描く動きがあります。 これには、前腕、脚、手、および指が含まれます。
＃7。 直進アクションとポーズ・トゥ・ポーズ
アニメーション シーケンスの描画方法には、「まっすぐ進む」方法と「ポーズする位置」方法の XNUMX つの方法があります。
通常、アニメータが作品内で滑らかでリアルな動きを作成することが目標である場合、ストレート アヘッド テクニックが最も効果的なテクニックです。 これを行うには、最初から最後まですべてのフレームをスケッチする必要があります。これにより、一貫した速度で発生するアクションが作成されます。
アニメーターがストーリーがどのように終わりを迎えるかについて明確なイメージを持ち、その時点からさかのぼって作業できる場合。 したがって、ストレート アヘッド アニメーション描画スタイルは、使用するのに最適な選択です。 また、花の開花、雲の動き、火、爆発などの有機的な活動をシミュレートするための素晴らしいアプローチでもあります。
#8。 フォロースルーと重複アクション
これらのアニメーション技術の目的は、フィギュアが物理法則に従って動いているように見せることです。 前方への動きの力により、キャラクターが突然動きを止めても、髪、肉のしわ、衣服、揺れる腹などのキャラクターの特徴の一部は動き続けます。 これらのキャラクターの側面には、髪、肉のひだ、衣服、プルプルの腹が含まれます。
イベント自体の後に、重みと臨場感を伝えるために行われる動きを「フォロースルー」と呼びます。 動いている体はさまざまな速度で動くわけではありませんが、特定のキャラクターの特徴がメインのアクションに続くか、オーバーラップして徐々に停止することもあります。
#9。 スローリーカミングとスローアウト
これは、ディズニーのアニメーションの 12 原則の例の XNUMX つでもあります。 誰かが走って道の真ん中で止まっているところを想像してみてください。 最初はゆっくりと動き、進行するにつれて速度を上げ、最後に完全に停止します。 ほとんどのオブジェクトは、摩擦、重力、およびその他の理由により変化します。 したがって、動きが優雅で自然に見えるようにするには、ゆっくりと始めてペースを上げてください。
さらに、アクション シーケンスの最初と最後でより多くのフレームをスケッチすることで、この種の自然な動きをアニメーションで実現できます。 アクションの速度と滑らかさは、アクション シーケンスの最初と最後に追加するフレーム数と、各描画の間にどれだけのスペースがあるかによって異なります。
#10。 立体図
アニメーションを作成する場合、描画プロセスはプロセスの中で非常に面倒で時間のかかる部分です。 それでも、これは各フレームの品質が何らかの形で損なわれることを意味するものではありません。 アニメーションで成功したい場合は、才能のあるアーティストであることも必要です.
ディズニーの「ソリッド ドローイング」哲学によれば、アニメーターは XNUMX 次元形状のスケッチについての基本的な理解を持っていることが期待されます。 これは、描かれているオブジェクトの重量、バランス、光、および影を効果的に伝えることができるようにするために行われます。
遠近法の使用は、描画のもう XNUMX つの重要な要素です。 その場合、キャラクターが二次元的で鈍いものになってしまう可能性があります。 従来のアニメーターは、漫画版を描く前に、現実世界の物体や人物の解剖学を研究していました。 ウォルト・ディズニーが実在の人物に基づいてキャラクターをデザインしたことや、ディズニーのアニメーターがリアルで魅力的なキャラクターを作成するために人物画を研究したことはよく知られています。 人生から描くことは、立体的な絵の一部にすぎませんが、非常に重要です。 立体的なキャラクターや物を作るには、立体性を理解する必要があります。 これにより、これらのものをあらゆる視点から簡単に描くことができます。
また、大学や仕事に応募する準備をしている個人にとって、優れた手描きのスキルを持つことは、ポートフォリオに含めることができる傑出した側面になります. かつてディズニー・イマジニアリングで働いていたインテリアデザイナー、リンジー・ヴィンセントによるもの。
#11。 訴える
魅力的なキャラクターを作成するために、必ずしも魅力的な外観を与える必要はありません。 ストーリーテリングをより説得力のあるものにするためには、ストーリーの主人公でさえ、魅力的でカリスマ的な資質を備えている必要があります。 キャラクターの性質、形、プロポーションを変えると、より魅力的なキャラクターになります。 物語をより良くするために、登場人物の最も決定的な性質を際立たせます。 目やあごのラインを大きくして、キャラクターを若々しく、力強く見せることが人気です。 魅力的なタイポグラフィ、写真の並置、または視覚的な翻訳は、シナリオを興味深いものにする XNUMX つの優れた方法です。
共感的な主人公を作成すると、プロットが強化されます。 紛らわしいキャラクターデザインは、視聴者を遠ざけ、ストーリーを完成させるのを妨げてしまう可能性があります。 したがって、視聴者を引き付けるには、キャラクターを作成する際に、シンプルさと細部への不注意のバランスを確立します。
#12。 過言
これまでに議論されてきた多くのアニメーションのアイデアを採用することで、よりリアルな動きを作成することができます。 一方、アニメーションの魅力は、リアルなディテールが多すぎると損なわれる可能性があります。 このため、通常は達成できない劇的な動きやキャラクターの表現を誇張することが有益です。
シーン内のモーションを再生することで、状況にドラマとエネルギーの感覚を追加することが容易になります。 ディズニーは、映画の中で感情的な状況を生み出すために使用するオーバー ザ トップ シーケンスで有名です。
アニメーションブックの12の原則
1981 年、ディズニーのアニメーターであるオリー ジョンストンとフランク トーマスは、「The Illusion of Life: Disney Animation」を出版しました。 アニメーション ブックの 12 の原則は、1930 年代に始まった、よりリアルなアニメーションを開発するためのディズニーのアニメーターの取り組みに基づいています。 アニメーションの 12 原則を「アニメーションのバイブル」と呼ぶ人もいますが、これまで長い間活動してきた多くのアニメーション制作会社は、このアドバイスに従っています。
アニメーション ブックの 12 の原則が役立つのはなぜですか?
これらのルールが作成された主な理由は、漫画のキャラクターが物理法則に従っているという印象を与えることでした. しかし、彼らはまた、感情的な共鳴やキャラクターの魅力など、より幻想的な懸念にも対処しました.
アニメーションのステージング 12 原則とは?
「ステージング」という用語は、俳優の位置から前景と背景のアイテム、照明、カメラ ショット、キャラクターの感情状態まで、シーンのすべての構成要素を配置するプロセスを指します。 ステージングを使用することで、アニメーションの意図が非常に明確になります。
アニメーションの 12 の原則のうち、主なアクションの準備はどれですか?
期待は興奮への蓄積です。 主なモーションは、プレーヤーの脚がサッカー ボールに衝突することであり、その後の脚の動きは最初のアクションの結果です。
アニメーションの 8 つの段階とは何ですか?
- 調査中。
- プロジェクトの範囲を定義します。
- 芝居の脚本。
- 音声録音装置。
- ストーリーボード アーティスト。
- 概略図。
- アニメーション。
- サウンドプロダクション。
あなたに渡る
いくつかの基本的なルールを守るだけで、アニメーションの驚異を捉えることができるのは驚くべきことです。 アニメーションは、静的な描画に動きの錯覚を与えるだけではありません。 これは、想像力、独創性、能力、勤勉さ、忍耐力を必要とする芸術形式です。
したがって、アニメーションの 12 の原則を新たに理解したので、ストップモーション ショートの作成に挑戦したくなるかもしれません。 作成したいストーリーや印刷物で見たいキャラクターのキャストはありますか? 目に見えるものを描き続け、物事がどのように行われ、個人がどのように動くかを考えます。 他のアニメーターやデザイナーとのコラボレーションも、自分の作品を改良する方法を学ぶ上で非常に重要です。 したがって、毎日練習すれば、アニメーションを通じてアイデアを実現できます。
参考文献
- 複数サイト.com
- ベクターネーター.io
- academyofanimatedart.com
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