Come animatore, i 12 principi dell'animazione sono le abilità più importanti che puoi acquisire. Frank Thomas e Ollie Johnston, due delle prime persone a lavorare nell'animazione, li realizzarono negli anni '1930. Anche se è stato realizzato per i disegni a matita, puoi utilizzare le stesse idee per l'animazione digitale. Usandoli come modello, puoi realizzare animazioni umane che sembrino autentiche e coinvolgenti. Bene, questa è solo la punta dell'iceberg! Continua a leggere per conoscere i 12 principi del poster e del libro di animazione, insieme ai 12 principi degli esempi di animazione della Disney.
Quali sono i principi dell'animazione?
I principi dell'animazione danno l'impressione che i tuoi personaggi e oggetti animati abbiano densità, massa, volume e flessibilità.
I 12 principi dell'animazione della Disney Esempi
Di seguito sono riportati gli esempi dei 12 principi dell'animazione:
#1. Anticipazione
Questo è uno degli esempi dei 12 principi dell'animazione della Disney. Il pubblico è più preparato per un evento di proiezione se gli viene dato il tempo di anticipare cosa accadrà dopo. Dato lo scenario dato, ci sono alcuni indizi significativi che puntano al passaggio successivo nella catena degli eventi. Per essere più precisi, gli occhi del bambino sono chiusi solo a metà, la testa che annuisce ha un leggero movimento ondeggiante, e quando il bambino cade, c'è un leggero sollevamento della testa e un abbassamento delle sopracciglia.
#2. Messa in scena
Il termine “messa in scena” si riferisce alla disposizione delle immagini all'interno delle inquadrature in modo tale da focalizzare l'attenzione dello spettatore sugli aspetti della scena che sono più significativi. Nel frattempo, questo viene fatto tralasciando tutti i dettagli che non sono importanti o che sono una distrazione.
Nonostante la scarsa inquadratura e l'assenza di sonoro in questo esempio, è molto evidente che il padre e il bambino si trovano in uno spazio con musica ad alto volume.
#3. Schiacciare e allungare
Questi sono anche esempi dei 12 principi dell'animazione della Disney. Questi sono metodi che possono essere usati per dare l'impressione che una persona o una cosa sia pesante e flessibile. L'esercizio della "palla che rimbalza" è tra le prime cose che farà un animatore nel coaching.
In questo esempio, nella parte centrale del personaggio sono stati aggiunti accurati effetti di schiacciamento e allungamento. Questo viene fatto per aiutare a far credere alle persone che è davvero pesante. Il corpo si espande mentre le sue gambe si estendono, il che attira i lati del corpo. Quindi, questo si contrae quando si piegano, il che gli dà "inerzia rotazionale" e una sensazione di inerzia.
#4. Facilità di entrata Facilità di uscita
Quando inizi a guidare per la prima volta, non andrai immediatamente a sessanta miglia all'ora. Ci vuole un po' di tempo per mettersi al passo e mantenere quella velocità una volta arrivati lì. Se stessimo parlando di animazione, lo chiameremmo un allentamento.
Inoltre, anche se azionate i freni, non riuscirete a fermarvi completamente. (A meno che nell'improbabile caso in cui ti scontri con un albero o altro.) Quando metti il piede sul pedale del freno, rallenti gradualmente fino a quando non ti fermi completamente. Gli animatori si riferiscono a questo come a una "facilità". È inoltre possibile creare un'animazione che appaia più realistica e abbia più personalità regolando attentamente le diverse velocità degli elementi nell'animazione.
#5. Azione secondaria
Questi sono movimenti che assistono l'azione vera e propria e offrono un elemento in più alle animazioni dei personaggi. Questo viene fatto migliorando le prestazioni del personaggio. Possono anche conferire alla persona ulteriore personalità e fornire informazioni su ciò che il soggetto sta facendo o pensando.
#6. Arco
Il movimento circolare, piuttosto che il movimento lineare, è caratteristico degli esseri viventi. Anche se scarichi una freccia nel mondo reale, è improbabile che la freccia segua una linea orizzontale. Nella maggior parte dei casi, il percorso sarà piegato. La stessa cosa vale per l'animazione; i personaggi non hanno bisogno di muoversi in modo lineare poiché farlo darebbe l'impressione che i loro movimenti siano forzati e innaturali.
Inoltre, Arc è progettato con un percorso curvo che imita il modo in cui il corpo umano si muove naturalmente. Quindi, se vuoi che le tue illustrazioni appaiano realistiche, un metodo di animazione che devi usare è il movimento negli archi. Ciò include gli avambracci, le gambe, le mani e le dita.
#7. Azione in avanti e posa per posa
Esistono due modi per avvicinarsi al disegno di una sequenza di animazione: il metodo "dritto davanti" e il metodo "posizione per posa".
In genere, la tecnica straight-ahead è la più efficace da utilizzare per gli animatori se il loro obiettivo è creare movimenti fluidi e realistici nel loro lavoro. Per fare ciò è necessario disegnare ogni fotogramma dall'inizio alla conclusione, il che si traduce nella creazione di un'azione che si verifica a una velocità costante.
Quando l'animatore ha una chiara immagine mentale di come la storia si concluderà e può tornare indietro da quel punto. Pertanto, lo stile di disegno dell'animazione straight-ahead è una scelta eccellente da utilizzare. È anche un approccio fantastico per simulare attività organiche come una fioritura floreale, il movimento delle nuvole, un incendio o un'esplosione.
#8. Segui attraverso e azione sovrapposta
Lo scopo di queste tecniche di animazione è creare l'impressione che le figure agiscano secondo le regole della fisica. A causa della forza del movimento in avanti, alcune caratteristiche del personaggio, come i capelli, le pieghe della carne, i vestiti o la pancia tremolante, continuano a muoversi quando un personaggio smette improvvisamente di muoversi. Questi aspetti caratteriali includono i capelli, le pieghe della carne, i vestiti e la pancia tremolante.
Il movimento che si verifica dopo l'evento stesso per comunicare più peso e un senso di realismo viene definito "follow through". Sebbene i corpi in movimento non si muovano a velocità variabili, tratti caratteriali specifici possono anche seguire l'azione principale o sovrapporsi per fermarsi gradualmente.
#9. Arrivare lentamente e rallentare
Questo è anche uno degli esempi dei 12 principi dell'animazione della Disney. Immagina qualcuno che corre e poi si ferma in mezzo alla strada. All'inizio si muovevano più lentamente, poi aumentavano la velocità man mano che avanzavano e, infine, si fermavano completamente. La maggior parte degli oggetti si altera a causa dell'attrito, della gravità e di altri motivi. Quindi, per fare in modo che una mossa sembri aggraziata e naturale, inizia lentamente e aumenta il ritmo.
Inoltre, questi tipi di movimenti naturali possono essere ottenuti in animazione disegnando più fotogrammi all'inizio e alla fine di una sequenza d'azione. La velocità e l'uniformità dell'azione dipenderanno dal numero di fotogrammi aggiunti all'inizio e alla fine della sequenza dell'azione e da quanto spazio c'è tra ogni disegno.
#10. Disegno solido
Quando si crea un'animazione, il processo di disegno può essere una parte molto laboriosa e dispendiosa in termini di tempo. Tuttavia, ciò non dovrebbe significare che la qualità di ogni fotogramma sia compromessa in alcun modo. Essere un artista di talento è necessario anche se vuoi avere una carriera di successo nell'animazione.
Secondo la filosofia del "disegno solido" della Disney, ci si aspetta che gli animatori abbiano una conoscenza fondamentale del disegno di forme tridimensionali. Questo viene fatto in modo che possano comunicare efficacemente il peso, l'equilibrio, la luce e l'ombra degli oggetti che stanno raffigurando.
L'uso della prospettiva è un'altra componente essenziale del disegno. In tal caso, i personaggi potrebbero risultare bidimensionali e noiosi. Gli animatori tradizionali hanno studiato l'anatomia degli oggetti e delle persone del mondo reale prima di disegnare le loro versioni dei cartoni animati. È risaputo che Walt Disney ha disegnato i suoi personaggi basandosi su persone reali e che gli animatori Disney hanno studiato il disegno dal vero per creare personaggi credibili e accattivanti. Disegnare dal vero è solo una parte del disegno solido, ma è fondamentale. Per creare personaggi e oggetti solidi, devi comprendere la tridimensionalità. Ciò renderà molto più semplice disegnare queste cose da qualsiasi punto di vista.
Inoltre, per le persone che si stanno preparando a candidarsi per università o posti di lavoro, avere eccezionali capacità di disegno a mano sarà un aspetto straordinario che può essere incluso nei loro portafogli. Di Lyndsey Vincent, un interior designer che una volta ha lavorato alla Disney Imagineering.
#11. Appello
Creare personaggi attraenti non richiede necessariamente di dare loro un aspetto gradevole. Anche i personaggi principali della storia dovrebbero avere qualità intriganti e carismatiche per rendere la narrazione più avvincente. Cambiare le qualità, le forme e le proporzioni di un personaggio può renderlo più intrigante. Per migliorare la storia, evidenzia la qualità più distintiva di un personaggio. Allargare gli occhi o la mascella per dare a un personaggio un aspetto giovane o forte è popolare. Tipografia affascinante, giustapposizione di foto o traduzione visiva sono altri tre ottimi modi per rendere lo scenario interessante.
Creare un protagonista empatico aiuta a migliorare la trama. Un design del personaggio confuso può allontanare gli spettatori, impedendo loro di finire la storia. Quindi, per coinvolgere il tuo pubblico, stabilisci un equilibrio tra semplicità e disattenzione ai dettagli durante la creazione di un personaggio.
#12. Esagerazione
Creare movimenti più realistici è possibile impiegando un buon numero di idee di animazione che sono state discusse fino a questo punto. Il fascino dell'animazione, d'altro canto, potrebbe essere sminuito da un'eccessiva quantità di dettagli realistici. È per questo motivo che è utile esagerare alcuni movimenti drammatici ed espressioni del personaggio che in genere non sono realizzabili.
L'aggiunta di un senso di drammaticità ed energia a una situazione può essere facilitata riproducendo il movimento nella scena. La Disney è famosa per le sequenze esagerate che utilizza per generare situazioni cariche di emozioni nei suoi film.
12 principi di animazione libro
Nel 1981, gli animatori Disney Ollie Johnston e Frank Thomas pubblicarono "The Illusion of Life: Disney Animation". I 12 principi del libro di animazione si basano sugli sforzi degli animatori Disney per sviluppare un'animazione più realistica a partire dagli anni '1930. Alcune persone hanno definito i 12 principi del libro di animazione la "Bibbia dell'animazione" e molte aziende di animazione che esistono da molto tempo seguono i suoi consigli.
Perché i 12 principi del libro di animazione sono utili?
Il motivo principale per cui sono state create queste regole è stato quello di dare l'impressione che i personaggi dei cartoni animati seguissero le leggi della fisica. Tuttavia, hanno anche affrontato preoccupazioni più eteree, come la risonanza emotiva e il fascino del personaggio.
Cos'è la messa in scena dei 12 principi dell'animazione?
Il termine "messa in scena" si riferisce al processo di disposizione di tutti i componenti di una scena, dalle posizioni degli attori agli oggetti in primo piano e sullo sfondo, l'illuminazione, le riprese della telecamera e lo stato emotivo dei personaggi. Attraverso l'uso della messa in scena, l'intento dell'animazione diventa cristallino.
Quale dei 12 principi dell'animazione è la preparazione per l'azione principale?
L'anticipazione è l'accumulo di eccitazione. Il movimento principale sarebbe la gamba del giocatore che colpisce il pallone da calcio e il successivo movimento della gamba sarebbe il risultato dell'azione iniziale.
Quali sono le 8 fasi dell'animazione?
- Ricerca.
- Definire l'ambito del progetto.
- Sceneggiatura della commedia.
- Dispositivo di registrazione vocale.
- Artisti dello storyboard.
- Rappresentazione schematica.
- Animazione.
- Produzione sonora.
A voi
È incredibile come la meraviglia dell'animazione possa essere catturata aderendo solo a poche regole di base. L'animazione è molto più che dare l'illusione del movimento a disegni statici. È una forma d'arte che richiede immaginazione, originalità, abilità, duro lavoro e pazienza per riuscire.
Quindi, con la tua nuova comprensione dei 12 principi dell'animazione, potresti essere tentato di provare a creare i tuoi cortometraggi in stop-motion. Hai una storia che vorresti creare o un cast di personaggi che vorresti vedere in stampa? Continua a disegnare ciò che vedi e considera come vengono fatte le cose e come si muovono le persone. Anche la collaborazione con altri animatori e designer è fondamentale per imparare a perfezionare il tuo mestiere. Pertanto, puoi dare vita alle tue idee attraverso l'animazione se ti eserciti ogni giorno.
Riferimenti
- pluralsight.com
- vectornator.io
- academyofanimatedart.com
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