Als Animator sind die 12 Prinzipien der Animation die wichtigsten Fähigkeiten, die Sie erwerben können. Frank Thomas und Ollie Johnston, zwei der ersten Menschen, die in der Animation arbeiteten, machten sie in den 1930er Jahren. Obwohl es für Bleistiftzeichnungen gemacht wurde, können Sie die gleichen Ideen für digitale Animationen verwenden. Wenn Sie sie als Blaupause verwenden, können Sie menschliche Animationen erstellen, die sich authentisch und ansprechend anfühlen. Nun, das ist nur die Spitze des Eisbergs! Lesen Sie weiter, um mehr über die 12 Prinzipien von Animationspostern und -büchern zu erfahren, zusammen mit den 12 Prinzipien von Disneys Animationsbeispielen.
Was sind die Prinzipien der Animation?
Die Prinzipien der Animation erwecken den Eindruck, dass Ihre animierten Charaktere und Objekte Dichte, Masse, Volumen und Flexibilität haben.
Disneys 12 Prinzipien der Animation Beispiele
Nachfolgend finden Sie Beispiele für die 12 Animationsprinzipien:
#1. Vorwegnahme
Dies ist eines der Beispiele für die 12 Animationsprinzipien von Disney. Das Publikum ist besser auf eine Vorführung vorbereitet, wenn es Zeit hat, vorauszusehen, was als Nächstes passieren wird. Angesichts des gegebenen Szenarios gibt es einige wichtige Hinweise, die auf den nächsten Schritt in der Kette der Ereignisse hinweisen. Genauer gesagt sind die Augen des Babys nur halb geschlossen, das Kopfnicken hat eine leicht schwankende Bewegung, und wenn das Baby in den Fall eintaucht, gibt es ein leichtes Anheben des Kopfes und ein Eintauchen in die Augenbrauen.
#2. Inszenierung
Der Begriff „Inszenierung“ bezieht sich auf die Anordnung von Bildern innerhalb der Rahmen, um die Aufmerksamkeit des Betrachters auf die wichtigsten Aspekte der Szene zu lenken. In der Zwischenzeit wird dies getan, während alle Details weggelassen werden, die nicht wichtig sind oder ablenken.
Trotz des spärlichen Rahmens und der Abwesenheit von Ton in diesem Beispiel ist es sehr deutlich, dass sich der Vater und das Kind in einem Raum mit lauter Musik befinden.
#3. Squash & Stretch
Dies sind auch Beispiele für die 12 Animationsprinzipien von Disney. Dies sind Methoden, die verwendet werden können, um den Eindruck zu erwecken, dass eine Person oder Sache sowohl schwer als auch flexibel ist. Die Übung „Hüpfender Ball“ gehört zu den ersten Dingen, die ein Animator im Coaching tun wird.
In diesem Beispiel wurden der Mitte des Charakters sorgfältige Squash- und Stretch-Effekte hinzugefügt. Dies geschieht, um die Leute glauben zu machen, dass er wirklich schwer ist. Der Körper dehnt sich aus, wenn sich seine Beine ausstrecken, was die Seiten des Körpers einzieht. Dann zieht sich dieser zusammen, wenn sie sich biegen, was ihm „Rotationsträgheit“ und ein Trägheitsgefühl verleiht.
#4. Einfach rein, raus
Wenn Sie mit dem Fahren beginnen, werden Sie nicht sofort sechzig Meilen pro Stunde fahren. Es dauert eine Weile, bis Sie auf Geschwindigkeit kommen und diese Geschwindigkeit beibehalten, sobald Sie dort angekommen sind. Wenn wir über Animation sprechen würden, würden wir das als Erleichterung bezeichnen.
Selbst wenn Sie die Bremsen betätigen, können Sie außerdem nicht vollständig anhalten. (Außer in dem unwahrscheinlichen Fall, dass Sie mit einem Baum oder etwas anderem kollidieren.) Wenn Sie Ihren Fuß auf das Bremspedal treten, verlangsamen Sie allmählich, bis Sie vollständig anhalten. Animatoren bezeichnen dies als „Ease in“. Eine Animation, die lebensechter erscheint und mehr Persönlichkeit hat, kann auch erstellt werden, indem die unterschiedlichen Geschwindigkeiten der Elemente in der Animation sorgfältig reguliert werden.
#5. Sekundäre Aktion
Dies sind Bewegungen, die die eigentliche Aktion unterstützen und Charakteranimationen ein zusätzliches Element bieten. Dies geschieht durch die Verbesserung der Leistung des Charakters. Sie können der Person auch zusätzliche Persönlichkeit verleihen und einen Einblick geben, was die Person vorhat oder denkt.
#6. Bogen
Kreisbewegung, eher als lineare Bewegung, ist charakteristisch für Lebewesen. Selbst wenn Sie in der realen Welt einen Pfeil abfeuern, ist es unwahrscheinlich, dass der Pfeil in einer horizontalen Linie verläuft. In den meisten Fällen wird der Pfad gebogen. Dasselbe gilt für Animationen; Zeichen müssen sich nicht linear bewegen, da dies den Eindruck erwecken würde, dass ihre Bewegungen erzwungen und unnatürlich sind.
Darüber hinaus ist Arc mit einem gekrümmten Pfad gestaltet, der die Art und Weise nachahmt, wie sich der menschliche Körper natürlich bewegt. Wenn Sie also möchten, dass Ihre Illustrationen realistisch aussehen, ist eine Animationsmethode, die Sie verwenden müssen, die Bewegung in Bögen. Dazu gehören die Unterarme, Beine, Hände und Finger.
#7. Straight-Ahead-Action und Pose-to-Pose
Es gibt zwei Möglichkeiten, sich dem Zeichnen einer Animationssequenz zu nähern: die „Straight Ahead“-Methode und die „Position to Pose“-Methode.
In der Regel ist die Straight-Ahead-Technik die effektivste für Animatoren, wenn ihr Ziel darin besteht, reibungslose und realistische Bewegungen in ihrer Arbeit zu erzeugen. Dazu muss jeder Frame vom Anfang bis zum Schluss skizziert werden, was zur Schaffung von Aktionen führt, die mit einer konsistenten Geschwindigkeit auftreten.
Wenn der Animator ein klares geistiges Bild davon hat, wie die Geschichte zu Ende gehen wird, und von diesem Punkt aus rückwärts arbeiten kann. Daher ist der geradlinige Zeichenstil für Animationen eine ausgezeichnete Wahl. Es ist auch ein fantastischer Ansatz zur Simulation organischer Aktivitäten wie einer Blumenblüte, Wolkenbewegung, Feuer oder einer Explosion.
#8. Follow-Through und Overlapping Action
Der Zweck dieser Animationstechniken besteht darin, den Anschein zu erwecken, dass die Figuren nach den Regeln der Physik handeln. Aufgrund der Kraft der Vorwärtsbewegung bewegen sich einige Charaktermerkmale wie Haare, Hautfalten, Kleidung oder ein wackeliger Bauch weiter, wenn eine Figur plötzlich aufhört, sich zu bewegen. Zu diesen Charakteraspekten gehören das Haar, die Hautfalten, die Kleidung und der wackelige Bauch.
Die Bewegung, die nach dem Ereignis selbst stattfindet, um mehr Gewicht und ein Gefühl von Realismus zu vermitteln, wird als „Durchhalten“ bezeichnet. Während sich Körper in Bewegung nicht mit unterschiedlichen Geschwindigkeiten bewegen, können bestimmte Charaktereigenschaften auch der Hauptaktion folgen oder sich überschneiden, um allmählich zum Stillstand zu kommen.
#9. Langsam kommend und langsam aus
Dies ist auch eines der Beispiele für die 12 Animationsprinzipien von Disney. Stellen Sie sich jemanden vor, der läuft und dann mitten auf der Straße anhält. Sie bewegten sich zunächst langsamer, beschleunigten sich dann im weiteren Verlauf und kamen schließlich vollständig zum Stillstand. Die meisten Objekte verändern sich aufgrund von Reibung, Schwerkraft und anderen Gründen. Damit eine Bewegung anmutig und natürlich aussieht, beginne daher langsam und erhöhe das Tempo.
Darüber hinaus können diese Arten von natürlichen Bewegungen in der Animation erreicht werden, indem mehr Frames am Anfang und am Ende einer Aktionssequenz skizziert werden. Die Geschwindigkeit und Geschmeidigkeit der Aktion hängen davon ab, wie viele Frames Sie am Anfang und am Ende der Aktionssequenz hinzufügen und wie viel Platz zwischen den einzelnen Zeichnungen ist.
#10. Solide Zeichnung
Beim Erstellen einer Animation kann der Zeichenprozess ein sehr mühsamer und zeitaufwändiger Teil des Prozesses sein. Dies sollte jedoch nicht bedeuten, dass die Qualität jedes Rahmens in irgendeiner Weise beeinträchtigt wird. Ein talentierter Künstler zu sein ist auch erforderlich, wenn Sie eine erfolgreiche Karriere in der Animation haben wollen.
Gemäß Disneys „Solid Drawing“-Philosophie wird von Animatoren ein grundlegendes Verständnis für das Skizzieren dreidimensionaler Formen erwartet. Dies geschieht, damit sie das Gewicht, die Balance, das Licht und den Schatten der Objekte, die sie darstellen, effektiv kommunizieren können.
Die Verwendung der Perspektive ist ein weiterer wesentlicher Bestandteil des Zeichnens. In diesem Fall könnten die Charaktere zweidimensional und langweilig wirken. Traditionelle Animatoren studierten die Anatomie realer Objekte und Menschen, bevor sie ihre Cartoon-Versionen zeichneten. Es ist bekannt, dass Walt Disney seine Charaktere auf der Grundlage echter Menschen entwarf und dass Disney-Animatoren das Aktzeichnen studierten, um glaubwürdige und fesselnde Charaktere zu erschaffen. Das Zeichnen nach dem Leben ist nur ein Teil der soliden Zeichnung, aber es ist entscheidend. Um solide Charaktere und Objekte zu erstellen, müssen Sie die Dreidimensionalität verstehen. Dadurch wird es viel einfacher, diese Dinge von jedem Standpunkt aus zu zeichnen.
Auch für Personen, die sich darauf vorbereiten, sich an Hochschulen oder Jobs zu bewerben, sind außergewöhnliche Fähigkeiten im Handzeichnen ein herausragender Aspekt, der in ihr Portfolio aufgenommen werden kann. Von Lyndsey Vincent, einer Innenarchitektin, die einst bei Disney Imagineering arbeitete.
#11. Appellieren
Charaktere mit Anziehungskraft zu erschaffen, erfordert nicht unbedingt, ihnen ein gefälliges Aussehen zu verleihen. Sogar die Hauptfiguren in der Geschichte sollten faszinierende und charismatische Qualitäten an sich haben, um das Geschichtenerzählen überzeugender zu machen. Das Ändern der Eigenschaften, Formen und Proportionen eines Charakters kann ihn faszinierender machen. Um die Geschichte zu verbessern, heben Sie die charakteristischste Eigenschaft eines Charakters hervor. Das Vergrößern der Augen oder des Kinns, um einem Charakter ein jugendliches oder starkes Aussehen zu verleihen, ist beliebt. Faszinierende Typografie, Fotozusammenstellung oder visuelle Übersetzung sind drei weitere großartige Möglichkeiten, um das Szenario interessant zu gestalten.
Die Schaffung eines empathischen Protagonisten hilft, die Handlung zu verbessern. Ein verwirrendes Charakterdesign kann Zuschauer abschrecken und sie daran hindern, die Geschichte zu Ende zu führen. Um Ihr Publikum zu fesseln, stellen Sie daher ein Gleichgewicht zwischen Einfachheit und Unaufmerksamkeit gegenüber Details her, während Sie eine Figur erstellen.
#12. Übertreibung
Das Erstellen realistischerer Bewegungen ist möglich, indem eine große Anzahl von Animationsideen verwendet wird, die bis zu diesem Punkt diskutiert wurden. Der Reiz der Animation hingegen könnte durch ein Übermaß an realistischen Details gemindert werden. Aus diesem Grund ist es vorteilhaft, einige dramatische Bewegungen und Charakterausdrücke zu übertreiben, die normalerweise nicht erreichbar sind.
Das Hinzufügen eines Gefühls von Dramatik und Energie zu einer Situation kann erleichtert werden, indem die Bewegung in der Szene hochgespielt wird. Disney ist bekannt für die übertriebenen Sequenzen, mit denen es in seinen Filmen emotional aufgeladene Situationen erzeugt.
12 Prinzipien der Animation Buch
1981 veröffentlichten die Disney-Animatoren Ollie Johnston und Frank Thomas „The Illusion of Life: Disney Animation“. Die 12 Prinzipien der Animation basieren auf den Bemühungen der Disney-Animatoren, ab den 1930er Jahren lebensechtere Animationen zu entwickeln. Einige Leute haben das Buch der 12 Prinzipien der Animation die „Bibel der Animation“ genannt, und viele Animationsfirmen, die es schon lange gibt, folgen seinem Rat.
Warum sind die 12 Prinzipien der Animation hilfreich?
Der Hauptgrund für diese Regeln war, den Eindruck zu erwecken, dass Zeichentrickfiguren den Gesetzen der Physik folgten. Sie befassten sich jedoch auch mit eher ätherischen Anliegen wie emotionaler Resonanz und charakterlicher Anziehungskraft.
Was ist die Inszenierung von 12 Prinzipien der Animation?
Der Begriff „Inszenierung“ bezieht sich auf den Prozess der Anordnung aller Komponenten einer Szene, von den Positionen der Schauspieler über die Elemente im Vorder- und Hintergrund, die Beleuchtung, die Kameraeinstellungen bis hin zur emotionalen Verfassung der Charaktere. Durch die Verwendung von Inszenierung wird die Absicht der Animation kristallklar.
Welches der 12 Animationsprinzipien ist die Vorbereitung auf die Haupthandlung?
Vorfreude ist der Aufbau von Aufregung. Die primäre Bewegung wäre das Aufprallen des Beins des Spielers auf den Fußball, und die nachfolgende Beinbewegung wäre das Ergebnis der anfänglichen Aktion.
Was sind die 8 Phasen der Animation?
- Forschen.
- Definieren Sie den Umfang des Projekts.
- Drehbuch für das Stück.
- Sprachaufzeichnungsgerät.
- Storyboard-Künstler.
- Schematische Darstellung.
- Animation.
- Tonproduktion.
Zu dir hinüber
Es ist unglaublich, wie das Wunder der Animation eingefangen werden kann, wenn man sich nur an ein paar Grundregeln hält. Animation ist mehr, als nur statischen Zeichnungen die Illusion von Bewegung zu verleihen. Es ist eine Kunstform, die Vorstellungskraft, Originalität, Können, harte Arbeit und Geduld erfordert, um erfolgreich zu sein.
Daher könnten Sie mit Ihrem neu gewonnenen Verständnis der 12 Prinzipien der Animation versucht sein, sich an der Erstellung Ihrer Stop-Motion-Kurzfilme zu versuchen. Haben Sie eine Geschichte, die Sie erstellen möchten, oder eine Reihe von Charakteren, die Sie gerne gedruckt sehen möchten? Zeichnen Sie weiter, was Sie sehen, und überlegen Sie, wie Dinge gemacht werden und wie sich Einzelpersonen bewegen. Die Zusammenarbeit mit anderen Animatoren und Designern ist ebenfalls entscheidend, um zu lernen, wie Sie Ihr Handwerk verfeinern können. So können Sie Ihre Ideen durch Animation zum Leben erwecken, wenn Sie täglich üben.
Bibliographie
- pluralsight.com
- vectornator.io
- academyofanimatedart.com
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