Como animador, os 12 princípios da animação são as habilidades mais importantes que você pode adquirir. Frank Thomas e Ollie Johnston, duas das primeiras pessoas a trabalhar com animação, os fizeram na década de 1930. Mesmo que tenha sido feito para desenhos a lápis, você pode usar as mesmas ideias para animação digital. Usando-os como modelo, você pode criar animações humanas que pareçam autênticas e envolventes. Bem, esta é apenas a ponta do iceberg! Continue lendo para aprender sobre os 12 princípios do pôster e livro de animação, juntamente com os 12 princípios de exemplos de animação da Disney.
Quais são os princípios da animação?
Os princípios da animação dão a impressão de que seus personagens e objetos animados têm densidade, massa, volume e flexibilidade.
Exemplos dos 12 Princípios de Animação da Disney
Abaixo estão os exemplos dos 12 princípios da animação:
#1. Antecipação
Este é um dos exemplos dos 12 princípios de animação da Disney. O público está mais preparado para um evento de exibição se tiver tempo para antecipar o que acontecerá a seguir. Dado o cenário dado, existem algumas pistas significativas que apontam para o próximo passo na cadeia de eventos. Para ser mais específico, os olhos do bebê estão apenas meio fechados, a inclinação da cabeça tem um leve movimento de balanço e, conforme o bebê mergulha na queda, há uma leve elevação na cabeça e uma depressão nas sobrancelhas.
#2. Encenação
O termo “encenação” refere-se ao arranjo dos recursos visuais dentro dos quadros de forma a focar a atenção do espectador nos aspectos da cena que são mais significativos. Enquanto isso, isso é feito deixando de fora todos os detalhes que não são importantes ou são uma distração.
Apesar do quadro esparso e da ausência de som neste exemplo, fica bem evidente que pai e filho estão em um ambiente com música alta.
#3. Squash & Stretch
Esses também são exemplos dos 12 princípios de animação da Disney. Esses são métodos que podem ser usados para dar a impressão de que uma pessoa ou coisa é pesada e flexível. O exercício de “bola quicando” está entre as coisas iniciais que um animador em treinamento fará.
Neste exemplo, efeitos cuidadosos de compressão e alongamento foram adicionados ao meio do personagem. Isso é feito para ajudar as pessoas a acreditarem que ele realmente é pesado. O corpo se expande à medida que suas pernas se estendem, o que atrai as laterais do corpo. Então, isso se contrai quando eles se dobram, o que lhe dá “inércia rotacional” e uma sensação de inércia.
#4. Fácil para dentro, fácil para fora
Quando você começar a dirigir, não estará indo imediatamente a sessenta milhas por hora. Demora um pouco para acelerar e manter essa velocidade quando você chega lá. Se estivéssemos falando sobre animação, chamaríamos isso de facilidade.
Além disso, mesmo que você acione os freios, não conseguirá parar completamente. (A menos que no caso improvável de você colidir com uma árvore ou algo assim.) Quando você pisa no pedal do freio, diminui a velocidade gradualmente até parar completamente. Os animadores se referem a isso como uma “facilidade”. Uma animação que pareça mais realista e tenha mais personalidade também pode ser criada regulando cuidadosamente as velocidades variadas dos itens na animação.
#5. Ação Secundária
São movimentos que auxiliam a ação real e oferecem um elemento extra às animações dos personagens. Isso é feito aprimorando o desempenho do personagem. Eles também podem emprestar personalidade adicional à pessoa e fornecer informações sobre o que o sujeito está fazendo ou pensando.
#6. Arco
O movimento circular, em vez do movimento linear, é característico dos seres vivos. Mesmo se você disparar uma flecha no mundo real, é improvável que a flecha vá em uma linha horizontal. Na maioria dos casos, o caminho será dobrado. A mesma coisa vale para a animação; os personagens não precisam se mover linearmente, pois isso daria a impressão de que seus movimentos são forçados e não naturais.
Além disso, o Arc é projetado com um caminho curvo que imita a maneira como o corpo humano se move naturalmente. Portanto, se você deseja que suas ilustrações pareçam realistas, um método de animação que você precisa usar é o movimento em arcos. Isso inclui os antebraços, pernas, mãos e dedos.
#7. Ação direta e pose a pose
Existem duas maneiras de abordar o desenho de uma sequência de animação: o método “em frente” e o método “posição para pose”.
Normalmente, a técnica direta é a mais eficaz para os animadores usarem se seu objetivo é criar movimentos suaves e realistas em seu trabalho. Fazer isso requer esboçar cada quadro desde o início até a conclusão, o que resulta na criação de ação que ocorre em um ritmo consistente.
Quando o animador tem uma imagem mental clara de como a história chegará ao fim e pode retroceder a partir desse ponto. Assim, o estilo de desenho de animação direto é uma excelente escolha para usar. Também é uma abordagem fantástica para simular atividades orgânicas, como florescimento de flores, movimento de nuvens, incêndio ou explosão.
#8. Acompanhamento e ação sobreposta
O objetivo dessas técnicas de animação é criar a aparência de que as figuras estão agindo de acordo com as regras da física. Devido à força do movimento para a frente, algumas características do personagem, como cabelo, dobras de carne, roupas ou barriga flácida, continuam a se mover quando um personagem para de se mover repentinamente. Esses aspectos do personagem incluem o cabelo, as dobras da carne, as roupas e a barriga saliente.
O movimento que ocorre após o próprio evento para comunicar mais peso e uma sensação de realismo é referido como “follow through”. Embora os corpos em movimento não se movam em velocidades variadas, traços de caráter específicos também podem seguir a ação principal ou se sobrepor para gradualmente parar.
#9. Chegando devagar e saindo devagar
Este também é um dos exemplos dos 12 princípios de animação da Disney. Imagine alguém correndo e parando no meio da estrada. Eles se moveriam mais lentamente no início, depois aumentariam a velocidade à medida que progredissem e, finalmente, parariam completamente. A maioria dos objetos se altera devido ao atrito, gravidade e outros motivos. Portanto, para fazer um movimento parecer gracioso e natural, comece devagar e aumente o ritmo.
Além disso, esses tipos de movimentos naturais podem ser obtidos em animação esboçando mais quadros no início e no final de uma sequência de ação. A velocidade e a suavidade da ação dependerão de quantos quadros você adicionar ao início e ao final da sequência de ação e quanto espaço existe entre cada desenho.
#10. Desenho Sólido
Ao fazer uma animação, o processo de desenho pode ser uma parte muito trabalhosa e demorada do processo. No entanto, isso não deve significar que a qualidade de cada quadro seja comprometida de alguma forma. Ser um artista talentoso também é necessário se você deseja ter uma carreira de sucesso em animação.
De acordo com a filosofia de “desenho sólido” da Disney, espera-se que os animadores tenham uma compreensão fundamental de esboçar formas tridimensionais. Isso é feito para que eles possam comunicar efetivamente o peso, o equilíbrio, a luz e a sombra dos objetos que estão representando.
O uso da perspectiva é outro componente essencial do desenho. Nesse caso, os personagens podem parecer bidimensionais e monótonos. Os animadores tradicionais estudaram a anatomia de objetos e pessoas do mundo real antes de desenhar suas versões em quadrinhos. É bem sabido que Walt Disney desenhou seus personagens com base em pessoas reais e que os animadores da Disney estudaram desenho vivo para criar personagens críveis e cativantes. Desenhar a partir da vida é apenas uma parte do desenho sólido, mas é crucial. Para criar personagens e objetos sólidos, você deve compreender a tridimensionalidade. Isso tornará muito mais simples desenhar essas coisas de qualquer ponto de vista.
Além disso, para indivíduos que estão se preparando para se candidatar a faculdades ou empregos, ter habilidades excepcionais de desenho à mão será um aspecto de destaque que pode ser incluído em seus portfólios. Por Lyndsey Vincent, uma designer de interiores que já trabalhou na Disney Imagineering.
#11. Apelo
Criar personagens atraentes não requer necessariamente dar-lhes uma aparência agradável. Mesmo os personagens principais da história devem ter qualidades intrigantes e carismáticas para tornar a narrativa mais atraente. Alterar as qualidades, formas e proporções de um personagem pode torná-lo mais intrigante. Para melhorar o conto, destaque a qualidade mais marcante de um personagem. Aumentar os olhos ou o queixo para dar a um personagem uma aparência jovem ou forte é popular. Tipografia fascinante, justaposição de fotos ou tradução visual são outras três ótimas maneiras de tornar o cenário interessante.
Criar um protagonista empático ajuda a aprimorar o enredo. Um design de personagem confuso pode afastar os espectadores, impedindo-os de terminar a história. Portanto, para envolver seu público, estabeleça um equilíbrio entre simplicidade e desatenção aos detalhes ao criar um personagem.
#12. Exagero
Criar movimentos mais realistas é possível empregando um bom número de ideias de animação que foram discutidas até aqui. O fascínio da animação, por outro lado, pode ser diminuído por uma quantidade excessiva de detalhes realistas. É por esta razão que é benéfico exagerar alguns movimentos dramáticos e expressões de personagens que normalmente não são alcançáveis.
Adicionar uma sensação de drama e energia a uma situação pode ser facilitado ao reproduzir o movimento na cena. A Disney é conhecida pelas sequências exageradas que usa para gerar situações carregadas de emoção em seus filmes.
Livro 12 Princípios da Animação
Em 1981, os animadores da Disney Ollie Johnston e Frank Thomas publicaram “The Illusion of Life: Disney Animation”. Os 12 princípios do livro de animação são baseados nos esforços dos animadores da Disney para desenvolver animações mais realistas a partir da década de 1930. Algumas pessoas chamaram o livro dos 12 princípios da animação de “Bíblia da animação”, e muitas empresas de animação que já existem há muito tempo seguem seus conselhos.
Por que os 12 princípios do livro de animação são úteis?
A principal razão pela qual essas regras foram feitas foi para dar a impressão de que os personagens de desenhos animados seguiam as leis da física. No entanto, eles também abordaram preocupações mais etéreas, como ressonância emocional e fascínio do personagem.
O que é Staging 12 Princípios de Animação?
O termo “encenação” refere-se ao processo de organizar todos os componentes de uma cena, desde as posições dos atores até os itens em primeiro e segundo planos, a iluminação, as tomadas da câmera e o estado emocional dos personagens. Através do uso da encenação, a intenção da animação torna-se cristalina.
Qual dos 12 Princípios da Animação é a Preparação para a Ação Principal?
Antecipação é o acúmulo de excitação. O movimento primário seria a perna do jogador impactando a bola de futebol, e o movimento subsequente da perna seria o resultado da ação inicial.
Quais são as 8 etapas da animação?
- Pesquisando.
- Defina o escopo do projeto.
- Roteiro da peça.
- Dispositivo de gravação de voz.
- Artistas de storyboard.
- Representação esquemática.
- Animação.
- Produção de som.
Para você
É incrível como a maravilha da animação pode ser capturada seguindo apenas algumas regras básicas. A animação é mais do que apenas dar a ilusão de movimento a desenhos estáticos. É uma forma de arte que exige imaginação, originalidade, habilidade, trabalho duro e paciência para ser bem-sucedida.
Portanto, com sua nova compreensão dos 12 princípios da animação, você pode ficar tentado a criar seus curtas em stop-motion. Você tem uma história que gostaria de criar ou um elenco de personagens que gostaria de ver impresso? Continue a desenhar o que vê e considere como as coisas são feitas e como as pessoas se movem. A colaboração com outros animadores e designers também é crucial para aprender a refinar seu ofício. Assim, você pode dar vida às suas ideias por meio da animação se praticar todos os dias.
Referências
- pluralsight.com
- vectornator.io
- academyofanimatedart.com
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