En tant qu'animateur, les 12 principes de l'animation sont les compétences les plus importantes que vous puissiez acquérir. Frank Thomas et Ollie Johnston, deux des premiers à travailler dans l'animation, les ont réalisés dans les années 1930. Même s'il a été conçu pour les dessins au crayon, vous pouvez utiliser les mêmes idées pour l'animation numérique. En les utilisant comme modèle, vous pouvez créer des animations humaines authentiques et engageantes. Eh bien, ce n'est que la pointe de l'iceberg ! Lisez la suite pour en savoir plus sur les 12 principes de l'affiche et du livre d'animation, ainsi que sur les 12 principes d'exemples d'animation de Disney.
Quels sont les principes de l'animation ?
Les principes de l'animation donnent l'impression que vos personnages et objets animés ont une densité, une masse, un volume et une flexibilité.
Exemples des 12 principes d'animation de Disney
Voici les exemples des 12 principes de l'animation :
#1. Anticipation
C'est l'un des exemples des 12 principes d'animation de Disney. Le public est mieux préparé pour une projection s'il a le temps d'anticiper ce qui va se passer ensuite. Compte tenu du scénario donné, il existe quelques indices significatifs qui pointent vers la prochaine étape dans la chaîne des événements. Pour être plus précis, les yeux du bébé ne sont qu'à moitié fermés, la tête qui hoche la tête a un léger mouvement de balancement et, à mesure que le bébé plonge dans la chute, il y a une légère élévation de la tête et une baisse des sourcils.
#2. Mise en scène
Le terme « mise en scène » fait référence à la disposition des visuels dans les cadres de manière à attirer l'attention du spectateur sur les aspects de la scène qui sont les plus significatifs. Pendant ce temps, cela se fait en omettant tous les détails qui ne sont pas importants ou qui sont une distraction.
Malgré le cadre clairsemé et l'absence de son dans cet exemple, il est très évident que le père et l'enfant sont dans un espace où la musique est forte.
#3. Courge et étirement
Ce sont également des exemples des 12 principes d'animation de Disney. Ce sont des méthodes qui peuvent être utilisées pour donner l'impression qu'une personne ou une chose est à la fois lourde et souple. L'exercice de « balle qui rebondit » fait partie des premières choses que fera un animateur en coaching.
Dans cet exemple, des effets d'écrasement et d'étirement prudents ont été ajoutés au milieu du personnage. Ceci est fait pour aider les gens à croire qu'il est vraiment lourd. Le corps se dilate à mesure que ses jambes s'étendent, ce qui attire les côtés du corps. Ensuite, celui-ci se contracte lorsqu'ils se plient, ce qui lui donne une "inertie de rotation" et une sensation d'inertie.
#4. Facilité d'entrée Facilité de sortie
Lorsque vous commencerez à conduire, vous n'irez pas immédiatement à soixante milles à l'heure. Il faut un peu de temps pour se mettre à niveau et maintenir cette vitesse une fois sur place. Si nous parlions d'animation, nous appellerions cela une facilité.
De plus, même si vous appliquez les freins, vous ne pourrez pas vous arrêter complètement. (Sauf dans le cas improbable où vous entreriez en collision avec un arbre ou quoi que ce soit.) Lorsque vous appuyez sur la pédale de frein, vous ralentissez progressivement jusqu'à ce que vous vous arrêtiez complètement. Les animateurs appellent cela une "facilité d'entrée". Une animation qui semble plus réaliste et a plus de personnalité peut également être créée en régulant soigneusement les vitesses variables des éléments de l'animation.
#5. Action secondaire
Ce sont des mouvements qui assistent l'action réelle et offrent un élément supplémentaire aux animations des personnages. Cela se fait en améliorant les performances du personnage. Ils peuvent également conférer à la personne une personnalité supplémentaire et donner un aperçu de ce que le sujet fait ou pense.
#6. Arc
Le mouvement circulaire, plutôt que le mouvement linéaire, est caractéristique des êtres vivants. Même si vous déchargez une flèche dans le monde réel, il est peu probable que la flèche aille dans une ligne horizontale. Dans la plupart des cas, le chemin sera courbé. La même chose vaut pour l'animation; les personnages n'ont pas besoin de se déplacer linéairement car cela donnerait l'impression que leurs mouvements sont forcés et non naturels.
De plus, Arc est conçu avec un chemin incurvé qui imite la façon dont le corps humain se déplace naturellement. Donc, si vous voulez que vos illustrations soient réalistes, une méthode d'animation que vous devez utiliser est le mouvement en arcs. Cela inclut les avant-bras, les jambes, les mains et les doigts.
#7. Action directe et pose à pose
Il existe deux manières d'aborder le dessin d'une séquence d'animation : la méthode « tout droit » et la méthode « position pour poser ».
En règle générale, la technique directe est la plus efficace pour les animateurs si leur objectif est de créer un mouvement fluide et réaliste dans leur travail. Pour ce faire, il faut esquisser chaque image du début à la fin, ce qui se traduit par la création d'une action qui se produit à un rythme constant.
Lorsque l'animateur a une image mentale claire de la façon dont l'histoire se terminera et peut revenir en arrière à partir de ce point. Ainsi, le style de dessin d'animation en ligne droite est un excellent choix à utiliser. C'est également une approche fantastique pour simuler des activités organiques telles qu'une floraison, un mouvement de nuage, un incendie ou une explosion.
#8. Action de suivi et de chevauchement
Le but de ces techniques d'animation est de donner l'impression que les personnages agissent selon les règles de la physique. En raison de la force du mouvement vers l'avant, certaines caractéristiques du personnage, telles que les cheveux, les plis de chair, les vêtements ou un ventre agité, continuent de bouger lorsqu'un personnage s'arrête soudainement de bouger. Ces aspects de caractère incluent les cheveux, les plis de la chair, les vêtements et le ventre agité.
Le mouvement qui se produit après l'événement lui-même pour communiquer plus de poids et un sentiment de réalisme est appelé « suivi ». Bien que les corps en mouvement ne se déplacent pas à des vitesses variables, des traits de caractère spécifiques peuvent également suivre l'action principale ou se chevaucher pour s'arrêter progressivement.
#9. Arrive lentement et ralentit
C'est aussi l'un des exemples des 12 principes d'animation de Disney. Imaginez quelqu'un qui court puis s'arrête au milieu de la route. Ils se déplaçaient plus lentement au début, puis augmentaient leur vitesse au fur et à mesure qu'ils progressaient, et finalement, s'arrêtaient complètement. La plupart des objets se modifient en raison du frottement, de la gravité et d'autres raisons. Par conséquent, pour rendre un mouvement gracieux et naturel, commencez lentement et augmentez le rythme.
De plus, ces types de mouvements naturels peuvent être obtenus dans l'animation en esquissant plus d'images au début et à la fin d'une séquence d'action. La vitesse et la fluidité de l'action dépendront du nombre d'images que vous ajouterez au début et à la fin de la séquence d'action et de l'espace entre chaque dessin.
#dix. Dessin solide
Lors de la création d'une animation, le processus de dessin peut être une partie très laborieuse et chronophage du processus. Néanmoins, cela ne signifie pas que la qualité de chaque image est compromise de quelque manière que ce soit. Être un artiste talentueux est également nécessaire si vous voulez avoir une carrière réussie dans l'animation.
Selon la philosophie du « dessin solide » de Disney, les animateurs doivent avoir une compréhension fondamentale de l'esquisse de formes tridimensionnelles. Ceci est fait pour qu'ils puissent communiquer efficacement le poids, l'équilibre, la lumière et l'ombre des objets qu'ils représentent.
L'utilisation de la perspective est une autre composante essentielle du dessin. Dans ce cas, les personnages pourraient sembler bidimensionnels et ternes. Les animateurs traditionnels ont étudié l'anatomie des objets et des personnes du monde réel avant de dessiner leurs versions de dessins animés. Il est bien connu que Walt Disney a conçu ses personnages en se basant sur des personnes réelles et que les animateurs de Disney ont étudié le dessin de la vie pour créer des personnages crédibles et captivants. Dessiner d'après nature n'est qu'une partie du dessin solide, mais c'est crucial. Pour créer des personnages et des objets solides, vous devez comprendre la tridimensionnalité. Cela rendra beaucoup plus simple de dessiner ces choses de n'importe quel point de vue.
De plus, pour les personnes qui se préparent à postuler à des collèges ou à des emplois, avoir des compétences exceptionnelles en dessin à la main sera un aspect remarquable qui peut être inclus dans leurs portefeuilles. Par Lyndsey Vincent, une décoratrice d'intérieur qui a déjà travaillé chez Disney Imagineering.
#11. Appel
Créer des personnages attrayants ne nécessite pas nécessairement de leur donner une apparence agréable. Même les personnages principaux de l'histoire doivent avoir des qualités intrigantes et charismatiques pour rendre la narration plus convaincante. Changer les qualités, les formes et les proportions d'un personnage peut le rendre plus intrigant. Pour améliorer l'histoire, mettez en évidence la qualité la plus déterminante d'un personnage. Agrandir les yeux ou la mâchoire pour donner à un personnage une apparence jeune ou forte est populaire. La typographie fascinante, la juxtaposition de photos ou la traduction visuelle sont trois autres excellents moyens de rendre le scénario intéressant.
Créer un protagoniste empathique aide à améliorer l'intrigue. Une conception de personnage déroutante peut décourager les téléspectateurs, les empêchant de terminer l'histoire. Par conséquent, pour engager votre public, établissez un équilibre entre simplicité et inattention aux détails lors de la création d'un personnage.
#12. Exagération
Créer des mouvements plus réalistes est possible en employant un bon nombre d'idées d'animation qui ont été discutées jusqu'à présent. L'attrait de l'animation, d'autre part, pourrait être diminué par une quantité excessive de détails réalistes. C'est pour cette raison qu'il est avantageux d'exagérer certains mouvements dramatiques et expressions de personnages qui ne sont généralement pas réalisables.
L'ajout d'un sens du drame et de l'énergie à une situation peut être facilité en jouant le mouvement dans la scène. Disney est bien connu pour les séquences exagérées qu'il utilise pour générer des situations chargées d'émotion dans ses films.
12 principes du livre d'animation
En 1981, les animateurs de Disney Ollie Johnston et Frank Thomas ont publié "The Illusion of Life: Disney Animation". Les 12 principes du livre d'animation sont basés sur les efforts des animateurs de Disney pour développer une animation plus réaliste à partir des années 1930. Certaines personnes ont appelé le livre des 12 principes de l'animation la "Bible de l'animation", et de nombreuses entreprises d'animation qui existent depuis longtemps suivent ses conseils.
Pourquoi les 12 principes du livre d'animation sont-ils utiles ?
La principale raison pour laquelle ces règles ont été établies était de donner l'impression que les personnages de dessins animés suivaient les lois de la physique. Cependant, ils ont également abordé des préoccupations plus éthérées, telles que la résonance émotionnelle et l'allure du personnage.
Qu'est-ce que la mise en scène 12 principes de l'animation ?
Le terme « mise en scène » fait référence au processus d'arrangement de tous les composants d'une scène, des positions des acteurs aux éléments au premier plan et à l'arrière-plan, l'éclairage, les plans de caméra et l'état émotionnel des personnages. Grâce à l'utilisation de la mise en scène, l'intention de l'animation devient limpide.
Lequel des 12 principes de l'animation est la préparation de l'action principale ?
L'anticipation est l'accumulation de l'excitation. Le mouvement principal serait la jambe du joueur impactant le ballon de football, et le mouvement de jambe suivant serait le résultat de l'action initiale.
Quelles sont les 8 étapes de l'animation ?
- Recherche.
- Définir la portée du projet.
- Scénario de la pièce.
- Appareil d'enregistrement vocal.
- Artistes de storyboard.
- Représentation schématique.
- Animation.
- Réalisation sonore.
Sur vous
C'est incroyable de voir comment la merveille de l'animation peut être capturée en respectant seulement quelques règles de base. L'animation ne se limite pas à donner l'illusion de mouvement à des dessins statiques. C'est une forme d'art qui exige de l'imagination, de l'originalité, de la capacité, du travail acharné et de la patience pour réussir.
Par conséquent, avec votre nouvelle compréhension des 12 principes de l'animation, vous pourriez être tenté de vous essayer à la création de vos courts métrages en stop motion. Avez-vous une histoire que vous voudriez créer ou un casting de personnages que vous aimeriez voir imprimé? Continuez à dessiner ce que vous voyez et considérez comment les choses sont faites et comment les individus se déplacent. La collaboration avec d'autres animateurs et concepteurs est également cruciale pour apprendre à affiner votre métier. Ainsi, vous pouvez donner vie à vos idées grâce à l'animation si vous pratiquez tous les jours.
Bibliographie
- pluralsight.com
- vecteurnator.io
- academyofanimatedart.com
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