Como animador, los 12 principios de la animación son las habilidades más importantes que puedes adquirir. Frank Thomas y Ollie Johnston, dos de las primeras personas que trabajaron en animación, las hicieron en la década de 1930. Aunque fue hecho para dibujos a lápiz, puedes usar las mismas ideas para la animación digital. Utilizándolos como modelo, puede crear animaciones humanas que se sientan auténticas y atractivas. Bueno, ¡esto es solo la punta del iceberg! Siga leyendo para conocer los 12 principios del póster y el libro de animación, junto con los ejemplos de los 12 principios de animación de Disney.
¿Qué son los principios de la animación?
Los principios de la animación dan la impresión de que sus personajes y objetos animados tienen densidad, masa, volumen y flexibilidad.
Ejemplos de los 12 principios de animación de Disney
A continuación se muestran los ejemplos de los 12 principios de la animación:
#1. Anticipación
Este es uno de los ejemplos de los 12 principios de animación de Disney. El público está más preparado para un evento de proyección si se le da tiempo para anticipar lo que sucederá a continuación. Dado el escenario dado, hay algunas pistas importantes que apuntan al siguiente paso en la cadena de eventos. Para ser más específicos, los ojos del bebé solo están medio cerrados, la cabeza asintiendo tiene un ligero movimiento de balanceo y, a medida que el bebé se sumerge en la caída, hay una ligera elevación en la cabeza y una caída en las cejas.
#2. Puesta en escena
El término “puesta en escena” se refiere a la disposición de las imágenes dentro de los marcos de tal manera que se centre la atención del espectador en los aspectos de la escena que son más significativos. Mientras tanto, esto se hace dejando de lado cualquier detalle que no sea importante o que sea una distracción.
A pesar del marco escaso y la ausencia de sonido en este ejemplo, es muy evidente que el padre y el niño se encuentran en un espacio con música a todo volumen.
#3. Aplastar y estirar
Estos también son ejemplos de los 12 principios de animación de Disney. Estos son métodos que pueden usarse para dar la impresión de que una persona o cosa es a la vez pesada y flexible. El ejercicio de "pelota que rebota" es una de las primeras cosas que hará un animador en el entrenamiento.
En este ejemplo, se han agregado cuidadosos efectos de aplastamiento y estiramiento en el centro del personaje. Esto se hace para ayudar a que la gente crea que realmente es pesado. El cuerpo se expande a medida que se extienden sus piernas, lo que atrae los lados del cuerpo. Luego, este se contrae cuando se doblan, lo que le da “inercia rotacional” y sensación de inercia.
#4. Facilidad de entrada Facilidad de salida
Cuando comience a conducir por primera vez, no irá inmediatamente a sesenta millas por hora. Lleva un poco de tiempo ponerse al día y mantener esa velocidad una vez que llega allí. Si estuviéramos hablando de animación, llamaríamos a esto una salida fácil.
Además, incluso si aplica los frenos, no podrá detenerse por completo. (A menos que en el improbable caso de que choques con un árbol o algo así). Cuando pisas el pedal del freno, disminuyes gradualmente la velocidad hasta que te detienes por completo. Los animadores se refieren a esto como una "facilidad". También se puede crear una animación que parezca más real y tenga más personalidad regulando cuidadosamente las distintas velocidades de los elementos de la animación.
#5. Acción secundaria
Estos son movimientos que ayudan a la acción real y ofrecen un elemento adicional a las animaciones de los personajes. Esto se hace mejorando el rendimiento del personaje. También pueden darle a la persona una personalidad adicional y proporcionar una idea de lo que el sujeto está haciendo o pensando.
#6. Arco
El movimiento circular, más que el movimiento lineal, es característico de los seres vivos. Incluso si dispara una flecha en el mundo real, es poco probable que la flecha vaya en una línea horizontal. En la mayoría de los casos, el camino estará doblado. Lo mismo ocurre con la animación; los personajes no necesitan moverse linealmente ya que hacerlo daría la impresión de que sus movimientos son forzados y antinaturales.
Además, Arc está diseñado con un recorrido curvo que imita la forma en que el cuerpo humano se mueve naturalmente. Entonces, si desea que sus ilustraciones se vean realistas, un método de animación que debe usar es el movimiento en arcos. Esto incluye los antebrazos, las piernas, las manos y los dedos.
#7. Acción directa y pose a pose
Hay dos formas de abordar el dibujo de una secuencia de animación: el método de "directo" y el método de "posición para posar".
Por lo general, la técnica directa es la más efectiva para los animadores si su objetivo es crear un movimiento suave y realista en su trabajo. Hacer esto requiere esbozar cada cuadro desde el principio hasta la conclusión, lo que da como resultado la creación de una acción que ocurre a un ritmo constante.
Cuando el animador tiene una imagen mental clara de cómo la historia llegará a su fin y puede trabajar hacia atrás desde ese punto. Por lo tanto, el estilo de dibujo de animación directo es una excelente opción para usar. También es un enfoque fantástico para simular actividades orgánicas como una floración floral, el movimiento de una nube, un incendio o una explosión.
#8. Seguimiento y acción superpuesta
El propósito de estas técnicas de animación es crear la apariencia de que las figuras actúan según las reglas de la física. Debido a la fuerza del movimiento hacia adelante, algunas características del personaje, como el cabello, los pliegues de la carne, la ropa o la barriga que se mueve, continúan moviéndose cuando un personaje deja de moverse repentinamente. Estos aspectos del carácter incluyen el cabello, los pliegues de la carne, la ropa y el vientre ondulado.
El movimiento que ocurre después del evento en sí mismo para comunicar más peso y una sensación de realismo se denomina "seguimiento". Si bien los cuerpos en movimiento no se moverán a diferentes velocidades, los rasgos específicos de los personajes también pueden seguir la acción principal o superponerse para detenerse gradualmente.
#9. Lentamente llegando y despacio
Este es también uno de los ejemplos de los 12 principios de animación de Disney. Imagina a alguien corriendo y luego deteniéndose en medio de la carretera. Se moverían más lentamente al principio, luego aumentarían la velocidad a medida que avanzaban y, finalmente, se detendrían por completo. La mayoría de los objetos se alteran debido a la fricción, la gravedad y otras razones. Por lo tanto, para que un movimiento se vea elegante y natural, comience despacio y aumente el ritmo.
Además, este tipo de movimientos naturales se pueden lograr en la animación dibujando más fotogramas al principio y al final de una secuencia de acción. La velocidad y la suavidad de la acción dependerán de cuántos fotogramas agregue al principio y al final de la secuencia de acción y cuánto espacio haya entre cada dibujo.
#10. Dibujo Sólido
Al hacer una animación, el proceso de dibujo puede ser una parte muy laboriosa y lenta del proceso. No obstante, esto no debería significar que la calidad de cada cuadro se vea comprometida de ninguna manera. También se requiere ser un artista talentoso si desea tener una carrera exitosa en la animación.
De acuerdo con la filosofía de "dibujo sólido" de Disney, se espera que los animadores tengan una comprensión fundamental de cómo dibujar formas tridimensionales. Esto se hace para que puedan comunicar de manera efectiva el peso, el equilibrio, la luz y la sombra de los objetos que están representando.
El uso de la perspectiva es otro componente esencial del dibujo. En ese caso, los personajes podrían parecer bidimensionales y aburridos. Los animadores tradicionales estudiaron la anatomía de los objetos y las personas del mundo real antes de dibujar sus versiones de dibujos animados. Es bien sabido que Walt Disney diseñó sus personajes basándose en personas reales y que los animadores de Disney estudiaron el dibujo natural para crear personajes creíbles y cautivadores. Dibujar del natural es solo una parte del dibujo sólido, pero es crucial. Para crear personajes y objetos sólidos, debe comprender la tridimensionalidad. Esto hará que sea mucho más sencillo dibujar estas cosas desde cualquier punto de vista.
Además, para las personas que se están preparando para postularse a universidades o trabajos, tener habilidades excepcionales para dibujar a mano será un aspecto destacado que se puede incluir en sus carteras. Por Lyndsey Vincent, una diseñadora de interiores que alguna vez trabajó en Disney Imagineering.
#11. Apelar
Crear personajes atractivos no requiere necesariamente darles una apariencia agradable. Incluso los personajes principales de la historia deben tener cualidades intrigantes y carismáticas para que la narración sea más convincente. Cambiar las cualidades, formas y proporciones de un personaje puede hacerlo más intrigante. Para mejorar la historia, resalta la cualidad más definitoria de un personaje. Es popular agrandar los ojos o la línea de la mandíbula para darle a un personaje una apariencia juvenil o fuerte. La tipografía fascinante, la yuxtaposición de fotos o la traducción visual son otras tres excelentes formas de hacer que el escenario sea interesante.
Crear un protagonista empático ayuda a mejorar la trama. Un diseño de personajes confuso puede ahuyentar a los espectadores y evitar que terminen la historia. Por lo tanto, para atraer a su audiencia, establezca un equilibrio entre la simplicidad y la falta de atención a los detalles al crear un personaje.
#12. Exageración
Es posible crear movimientos más realistas empleando un buen número de ideas de animación que se han discutido hasta este punto. El encanto de la animación, por otro lado, puede verse disminuido por una cantidad excesiva de detalles realistas. Es por esta razón que es beneficioso exagerar algunos movimientos dramáticos y expresiones de personajes que normalmente no se pueden lograr.
Agregar una sensación de dramatismo y energía a una situación se puede facilitar reproduciendo el movimiento en la escena. Disney es bien conocido por las secuencias exageradas que utiliza para generar situaciones cargadas de emociones en sus películas.
Libro 12 Principios de la Animación
En 1981, los animadores de Disney Ollie Johnston y Frank Thomas publicaron “La ilusión de la vida: animación de Disney”. Los 12 principios del libro de animación se basan en los esfuerzos de los animadores de Disney para desarrollar una animación más realista a partir de la década de 1930. Algunas personas han llamado al libro de los 12 principios de la animación la "Biblia de la animación", y muchas empresas de animación que existen desde hace mucho tiempo siguen sus consejos.
¿Por qué son útiles los 12 principios del libro de animación?
La razón principal por la que se crearon estas reglas fue para dar la impresión de que los personajes de dibujos animados seguían las leyes de la física. Sin embargo, también abordaron preocupaciones más etéreas, como la resonancia emocional y el atractivo del personaje.
¿Qué es la puesta en escena de los 12 principios de la animación?
El término “puesta en escena” se refiere al proceso de ordenar todos los componentes de una escena, desde las posiciones de los actores hasta los elementos en primer plano y fondo, la iluminación, las tomas de cámara y el estado emocional de los personajes. Mediante el uso de la puesta en escena, la intención de la animación se vuelve muy clara.
¿Cuál de los 12 Principios de la Animación es la Preparación para la Acción Principal?
La anticipación es la acumulación de emoción. El movimiento principal sería el impacto de la pierna del jugador contra el balón de fútbol, y el movimiento subsiguiente de la pierna sería el resultado de la acción inicial.
¿Cuáles son las 8 etapas de la animación?
- Investigando.
- Definir el alcance del proyecto.
- Guión de la obra.
- Dispositivo de grabación de voz.
- Artistas del guión gráfico.
- Representación esquemática.
- Animación.
- Producción de sonido.
A ti
Es increíble cómo se puede capturar la maravilla de la animación siguiendo solo unas pocas reglas básicas. La animación es algo más que dar la ilusión de movimiento a los dibujos estáticos. Es una forma de arte que exige imaginación, originalidad, habilidad, trabajo duro y paciencia para lograrlo con éxito.
Por lo tanto, con su nueva comprensión de los 12 principios de la animación, puede sentirse tentado a intentar crear sus cortos de stop-motion. ¿Tiene una historia que le gustaría crear o un elenco de personajes que le gustaría ver impresos? Continúe dibujando lo que ve y considere cómo se hacen las cosas y cómo se mueven las personas. La colaboración con otros animadores y diseñadores también es crucial para aprender a refinar su oficio. Por lo tanto, puede dar vida a sus ideas a través de la animación si practica todos los días.
Referencias
- pluralsight.com
- vectornator.io
- academiadearteanimado.com
Artículos Relacionados
- SOFTWARE DE ANIMACIÓN: el mejor software gratuito para 2023
- Cinco formas de utilizar la animación 2D para el crecimiento empresarial
- HOUSE STAGING: Cómo preparar su casa para ventas rápidas
- TOP 17+ SOFTWARE DE MARKETING DE VIDEO: Reseñas de 2023
- 2023 MEJORES 15+ SISTEMAS DE CÁMARAS DE SEGURIDAD INALÁMBRICAS PARA EMPRESAS (Actualización)
- RAPID FINANCE: soluciones, revisiones de préstamos y requisitos
